- Industry: Art history
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Crée une branche particulièrement austère de l'art abstrait fondé par Vladimir Tatline et Alexander Rodchenko en Russie vers 1915. Les constructivistes cru art devrait refléter directement le monde industriel modern. Tatlin est fondamentalement influencé par des constructions de cubiste de Picasso (Construction 1914) qu'il voyait dans l'atelier de Picasso à Paris en 1913. Il s'agissait de natures tridimensionnelle faite de matériaux de rebut. Tatlin a commencé à faire ses propres, mais ils étaient complètement abstraite et est composé de matériaux industriels. En 1921, les artistes russes qui ont suivi les idées de Tatlin eux-mêmes appelaient constructivistes et en 1923 un manifeste a été publié dans leur magazine Lef: « la formation en matière de l'objet doit être substituée à sa combinaison esthétique. L'objet doit être considéré dans son ensemble et sera donc d'aucun discernable « style » mais simplement un produit d'une commande industrielle comme une voiture, un avion et autres semblables. Constructivisme est une maîtrise purement technique et l'organisation des matériaux. « Constructivisme a été supprimée en Russie dans les années 1920, mais a été porté à l'ouest par Naum Gabo et son frère Antoine Pevsner et a été une influence majeure sur la sculpture moderne.
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Une extension du constructivisme en Grande-Bretagne depuis environ 1950 dans le œuvre de Victor Pasmore, Kenneth Martin, Mary Martin et Anthony Hill. Naturellement, rythmes et systèmes proportionnels survenant étayé leur art géométrique. Ils ont été inspirés par les théories de l'artiste américain Charles Biederman et exploré l'héritage de « l'art constructif » faite dans les années 1930 par Ben Nicholson, Barbara Hepworth et Naum Gabo, dont la contribution pour le constructivisme russe a été exemplaire. Hill a insisté sur l'utilisation du terme constructionnisme pour le phénomène Britannique, mais le constructivisme se trouve plus couramment.
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This term came into use in the late 1960s to describe a wide range of types of art that no longer took the form of a conventional art object. In 1973 a pioneering record of the early years of the movement appeared in the form of a book, Six Years, by the American critic Lucy Lippard. The 'six years' were 1966-72. The long subtitle of the book referred to 'so-called conceptual or information or idea art'. Conceptual artists do not set out to make a painting or a sculpture and then fit their ideas to that existing form. Instead they think beyond the limits of those traditional media, and then work out their concept or idea in whatever materials and whatever form is appropriate. They were thus giving the concept priority over the traditional media. Hence Conceptual art. From this it follows that conceptual art can be almost anything, but from the late 1960s certain prominent trends appeared such as Performance (or Action) art, Land art, and the Italian movement Arte Povera (poor art). Poor here meant using low-value materials such as twigs, cloth, fat, and all kinds of found objects and scrap. Some Conceptual art consisted simply of written statements or instructions. Many artists began to use photography, film and video. Conceptual art was initially a movement of the 1960s and 1970s but has been hugely influential since. Artists include Art & Language, Beuys, Broodthaers, Burgin, Craig-Martin, Gilbert and George, Klein, Kosuth, Latham, Long, Manzoni, Smithson.
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De manière générale n'importe quel morceau de musique ou par écrit, ou toute peinture ou une sculpture, peut être dénommé une composition. Plus précisément, le terme désigne la manière dont un artiste a organisé les éléments de l'ouvrage afin d'apporter une relation satisfaisante à l'artiste et, nous l'espérons, le spectateur. Dans l'art dans la tradition classique, triangulaires ou pyramidales compositions ont été utilisées parce qu'ils ont créé un sentiment d'équilibre et d'harmonie en arrangeant les chiffres dans une structure géométrique dans l'ensemble stable. Ceci peut être vu par exemple dans le groupement à peu près conique des animaux dans les de George Stubbs juments et poulains. L'idée de la composition comme l'ajustement des relations des éléments de le œuvre au sein de la frontière de la toile, est demeurée incontestée à travers les bouleversements des premiers mouvements modernes tels que le cubisme et l'art abstrait. Puis dans les années 1940, le peintre expressionniste abstrait américain Jackson Pollock, a présenté ce qui allait s'appeler allover composition, et le concept traditionnel est devenu connu comme composition relationnelle. Cependant, Pollock semble encore généralement être composer au sein de la toile. Mais en même temps, l'abstrait expressionniste Barnett Newman a commencé à faire des peintures où des blocs de couleur s'est déroulé du haut vers le bas de la toile. Ceux-ci étaient relationnels dans la mesure où les proportions des couleurs ont été ajustées entre eux, mais ils étaient une composition radicales en ce que les blocs de couleur simplement couru sur le dessus et les bords inférieurs de la toile, qui Newman a délibérément laissé sans cadre. C'était Frank Stella dans les années 1950, qui atteint une composition allover et fauché hors des limites de la toile à la fois.
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Couleurs complémentaires sont les couleurs qui se complètent - d'où le nom. L'effet de cet achèvement est d'améliorer les couleurs — ils ont l'air plus forts lorsque placés ensemble. C'est parce qu'ils contrastent avec l'autre plus qu'avec toutes les autres couleurs, et nous pouvons seulement voir coloris par contraste avec d'autres couleurs. Plus de contraste le plus de couleur. Si vous séjournez dans une chambre entièrement peinte une couleur, après une dizaine de minutes, cela disparaîtra au gris. Les couleurs complémentaires sont les trois couleurs primaires, rouges, bleus et jaunes et leurs secondaries. Les mélanges de couleurs sont les couleurs obtenues en mélangeant les primaires dans toutes leurs combinaisons de paires. Alors les trois couleurs secondaires sont le verts, orange et violet. Les paires complémentaires sont rouge-vert, bleu-orange et jaune-violet. Artistes commencèrent à devenir particulièrement conscient de l'importance des couleurs complémentaires après le développement de la théorie des couleurs scientifique au XIXe siècle. Cette théorie a joué un rôle important dans le développement de l'impressionnisme et le post-impressionnisme comme fauvisme et beaucoup par la suite de peinture moderne. Les impressionnistes furent les premiers à noter que les ombres ne sont pas neutres mais sont de la couleur complémentaire de la lumière qui jette. Alors la lumière du soleil jaune jette une ombre violette. Cela peut être très bien vu dans femme assise de Monet sur un banc dans le pli de son bras et de la piscine de l'ombre à ses pieds.
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Le collage est un terme utilisé pour décrire la technique et le œuvre d'art qui en résulte, dans lequel les morceaux de papier, photographies, tissu et autres babioles sont arrangées et coincés vers le bas pour une surface d'appui. Collage peut également inclure d'autres médias tels que la peinture et le dessin et contiennent des éléments en trois dimensions. Le collage du terme dérive des mots Français papiers collés ou découpage, utilisé pour décrire les techniques de collage de papiers découpés sur diverses surfaces. Tout d'abord, il a été utilisé comme technique d'artistes au XXe siècle.
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La notion d'art communautaire a évolué dans le post seconde guerre mondiale ère, hors de la notion de démocratie culturelle - le terme utilisé pour décrire les pratiques où la culture et l'expression artistique sont générés par des individus et des communautés plutôt que par les institutions du pouvoir central. Bien qu'il y avait eu plus tôt des expériences provisoires dans ce qui devint connu comme art de la Communauté, y compris par la fraternité préraphaélite du XIXe siècle, ce n'est que la fin des années 1940 que le concept de l'art de la communauté ont émergé et ont commencé à être considérée comme un moyen d'autonomiser les populations. Initiatives inclus mettant les plasticiens, comédiens et musiciens de travailler au sein des communautés pour créer des compositions, des pièces de théâtre et des peintures murales publics. Dans les années 1960, quand changement social a été vu que possible, art de la Communauté a été considérée comme une façon de donner la parole à la société droit de vote.
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Blanc ou blanc cassé matière inorganique composé de carbonate de calcium. Naturellement, mais aussi produits industriellement tout au long du XXe siècle.
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Inventé en 1925 à Paris par les surréalistes Yves Tanguy, Jacques Prévert, André Breton et Marcel Duchamp, Cadavre exquis est similaire à l'ancien jeu de société conséquences, dans lequel les joueurs écrire à son tour sur une feuille de papier, pli, pour dissimuler la partie de l'écriture et la passer au joueur suivant. Les surréalistes adapté du jeu en attirant les parties du corps. Le nom de Cadavre exquis a été dérivé d'une expression qui a donné lieu quand ils ont tout d'abord joué le jeu, "Le cadavre / exquis / boira / le vin / nouveau' ('le cadavre exquis boira le vin nouveau »).
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Une caricature est une peinture, ou plus généralement de dessin, d'une personne ou une chose dans laquelle les caractéristiques et la forme ont été déformées et exagérées pour se moquer ou ridiculiser le sujet. Le terme est à l'origine italien, caricatura et la caricature est apparu dans l'art italien, environ 1600 dans le œuvre de Annibale Carracci. La caricature de mot est la première fois en anglais en 1748, l'année, comme il arrive, que William Hogarth peint sa grande anti-français satire O le rôti de boeuf de Old England qui comprend des caricatures d'un moine Français et les soldats Français. Hogarth fait un large usage de la caricature, et elle s'est répandue en Grande-Bretagne par la suite. Un praticien de génie à la fin du XVIIIe siècle et le début du XIXe siècle a été James Gillray, qui l'a utilisé pour la caricature politique, une forme de caricature qui continue d'apparaître chaque jour dans nos journaux. Tout aussi doué, a été son contemporain Thomas Rowlandson qui produit des caricatures brillantes des manières et la morale de l'époque. Max Beerbohm est un caricaturiste remarquable au XIXe siècle, et Gerald Scarfe est l'un des plus puissants travailler aujourd'hui.
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